Mescola

Dal 10 giugno 2023, AAIE presenterà la mostra collettiva "Mescola" presso lo Uart SPACE di Shanghai, con la partecipazione di otto artisti: Primarosa Cesarini Sforza, Giovanni Tommasi Ferroni, Feng Zhonghao, Pierluigi Berto, Marina Quaranta, Dino Lorusso, Massimo Romanazzi e Shi Zhan. La mostra intende presentare opere rappresentative dell'Italia e sarà curata da Qiao Duxing.
La mostra si basa sul tema dell'"Mescola" e comprende contenuti relativi alla moda e all'architettura italiana, alla storia e alla memoria, nonché agli scambi culturali e alla coesistenza. Attraverso forme d'arte multidimensionali, verranno esplorate le vie di scambio culturale reciproco tra Italia e Cina. Gli artisti contemporanei selezionati da AAIE per questa mostra godono di grande reputazione in Italia e le loro opere si ispirano alla storia, esplorando nuovi orizzonti attraverso il linguaggio artistico contemporaneo. Ad esempio, la serie surrealista di Giovanni Tommasi Ferroni inserisce elementi di architettura, storia o personaggi mitologici nella vita contemporanea, superando le diverse dimensioni temporali. Le opere di Primarosa Cesarini Sforza, invece, utilizzano un approccio artigianale che combina ago e filo, materiali come la grafite e la carta, presentati su tela, e si sviluppano nel processo creativo che parte dalla percezione dei confini della memoria. Il lavoro di Marina Quaranta, Dino Lorusso e Massimo Romanazzi, nel loro progetto installativo "Redline", esplora il rapporto contraddittorio tra spazi pubblici e privati...
"Mescola", è una forma creativa di esistenza che va oltre le dualità e un'ideologia estetica che cerca possibilità infinite di creazione. In questa mostra, abbiamo presentato l'interpenetrazione, l'interazione e l'integrazione tra diversi stili artistici che superano il tempo e lo spazio, così come gli scontri, le fusioni e le sublimazioni tra diverse culture e linguaggi artistici. Queste opere non sono solo espressioni soggettive degli artisti su sé stessi e sul mondo, ma anche una riflessione costruttiva sulla società contemporanea. Attraverso una strategia di ricostruzione estetica creativa di questo tipo, che supera i limiti cognitivi dell'estetica convenzionale, si può entrare in uno stato di flusso aperto e multiforme, dove si stabiliscono molteplici connessioni spirituali che vanno al di là della materia tra il sé e gli altri.
L'arte dell'intreccio della vita è un elogio all'evoluzione naturale della vita stessa, un superamento e una rinascita delle forme di esistenza. Si focalizza sull'espressione libera dell'intera vita e sul significato e il valore dell'esistenza artistica. Nell'arte di Primarosa Cesarini Sforza, l'artista cerca di superare il limitante antropocentrismo e di stabilire una relazione ecologica basata sull'empatia universale. Queste poetiche figure intrecciate sono un'attenuazione della forma e una sublimazione della dimensione spirituale. Nel suo viaggio artistico di oltre 50 anni, la sua lingua artistica fonde sfumature di culture multiformi, abbandonando la sequenza temporale e il nesso causale, e conferendo a ciascun individuo una vivida e onirica energia all'interno di uno spazio narrativo parallelo. Attraverso una serie di corde annodate, collega questi diversi elementi individuali, suggerendo che tutto ciò che si trova nel terzo dimensionale è connesso da fili invisibili carichi di energia. Allo stesso tempo, forniscono punti di ancoraggio visivo nella composizione dell'immagine e compongono una guida meditativa verso l'unione e la coesistenza. Questa serie di opere, dal punto di vista esistenzialista, rappresenta una riflessione sul percorso della vita, sul modo in cui creare bellezza e ordine in un mondo disordinato e caotico, nonché un atteggiamento di libertà e responsabilità di fronte alla morte e al nulla. Come si può percepire nell'opera "Senza Titolo 5", i frammenti della vita sono archiviati e ordinati come negativi in una camera oscura, trasformandosi infine in sinceramente intime immagini, che sussurrano dolcemente una vita intera: "Sono cresciuta, innamorata e appassita nelle mie opere d'arte. Non so cosa ci sia al di fuori del quadro. In questo modo, ho vissuto una vita intera in un quadro. Forse tu lo troverai un rimpianto, ma io lo trovo appagante. Forse tu lo trovi un peccato, ma io lo trovo un'esperienza felice." Primarosa, con una prospettiva surreale di stile italiano, dipinge le parti intrecciate della vita in cui l'uomo non è più il dominatore o l'utilizzatore delle piante e degli animali, ma si fonde con tutti gli esseri sensibili, diventando parte integrante del proprio destino. Questo tipo di relazione spinge le persone a riconsiderare il proprio ruolo e a riconoscere la relazione di comunione e coesistenza tra il proprio sé e la natura, usando l'arte come guida per riflettere sul valore e l'orientamento della vita.
La fusione dei paradigmi artistici multipli genera caos, che rappresenta una sfida per gli artisti nel trovare un equilibrio dialettico e, allo stesso tempo, è una fonte preziosa di ispirazione creativa. Giovanni Tommasi Ferroni, cresciuto in una rinomata famiglia artistica caratterizzata da diverse influenze stilistiche, ha una sensibilità acuta per l'integrazione degli stili artistici nella sua creazione. La sua arte si basa sulle contraddizioni presenti nella cultura e nella società, utilizzando l'immagine del disordine e della confusione come simbolo e sfruttando una varietà di stili artistici come il surrealismo. In questo modo, ha costruito un linguaggio artistico con caratteristiche locali che trasmette un senso di crisi potenziale che si cela dietro una superficie priva di significato.
Egli ricrea e combina elementi tratti dalla mitologia romana antica, dalle leggende medievali, dalle storie popolari moderne e dalle opere letterarie classiche, utilizzando una combinazione di forme artistiche multiple come il realismo preciso, le regole del classicismo, l'emozione romantica, il sogno surrealista e le trasformazioni del realismo magico. Questa combinazione crea un effetto straordinario grazie all'uso di differenti aspetti spaziali e temporali.
Ad esempio, Clorinda, una guerriera vestita in armatura, tratta dal poema "Gerusalemme Liberata" del poeta rinascimentale italiano Torquato Tasso, rappresenta un simbolo astratto che riflette il caos legato alla religione, alla cultura, al genere e alle emozioni. È un grido di protesta dell'artista contro la guerra e la violenza, nonché un'ode al desiderio dell'amore e della bellezza pura.
Nella serie "Variazioni sul tema di Bacco e Sant'Elena", l'artista si proietta come il dio del vino, Bacco, un'ispirazione artistica che sfida il simbolo conservatore della ragione religiosa e incoraggia l'irrazionalità e l'estasi.
All'interno di questi spazi immaginari creati attraverso le diverse leggende mitologiche, viene costruita una nuova mitologia con il sé come protagonista, interpretando in modo complesso il suo pensiero artistico.
Questa fusione e conflitto di culture e ispirazioni artistiche multiple si riflette anche nel percorso artistico di Schan. Con esperienze artistiche in Italia e in Germania, Schan è sottoposto a una tensione contrastante tra la razionalità repressa tedesca e l'esuberanza latina, che crea un conflitto interiore. Le sue opere rivelano sia la leggerezza fantasiosa del Rinascimento che la consapevolezza tragica dell'espressionismo. Il pensiero creativo dell'artista viene costantemente esaminato in questa logica culturale di dualità e, anche tornando alla propria cultura nativa, non riesce a liberarsi da questa complessità intrecciata.
La sua opera "Il Tempio delle Lacrime" trae ispirazione dal dipinto "Psyche e Amore" dello scultore italiano Canova. Questa storia mitologica si svolge nelle profondità oscure di un palazzo, dove la vera natura della felicità è nascosta tra silenziose ombre. La bellezza e la fantasia sono intrappolate sotto la schiavitù della sofferenza. L'artista, in questo conflitto e contrasto, sperimenta sia il dolore che il piacere, provando una sensazione di piacere spirituale che deriva dall'intreccio e dalla lacerazione. Il flusso di lacrime indica la verità intuitiva del riscatto e dell'emozione. Le lacrime sono il suo tempio, e il tempio è anche le sue lacrime. Questo rappresenta il perno stabile che l'artista ha sempre cercato tra l'umanesimo e il trascendente.
Come discusso in precedenza, la sfida della fusione artistica multidimensionale risiede nell'equilibrio della "neutralità", ovvero come mantenere la diversità artistica mentre si realizza un'unificazione di forme artistiche, contenuti e valori. Feng Zhonghao sembra proporre una soluzione possibile. La sua logica artistica si basa sulla fusione umana delle fasi di vita e sulla collisione con la propria cultura radicata, ma in questa mostra sottolinea anche il concetto di "oggetto".
I giocattoli sono diventati il linguaggio artistico che ha descritto costantemente negli ultimi anni. Questo simbolo rappresenta l'aspetto superficiale della semplice felicità, bilanciando efficacemente il senso di gravità portato dalla parte critica delle sue opere. Durante il suo periodo di studio a Roma, tutto ciò che era "antico" in questa città è diventato il suo focus oltre allo studio, con gli oggetti antichi che sono diventati souvenir che ha portato a casa. Ha cercato di fondere il suo linguaggio contemporaneo con gli oggetti antichi, creando uno strato visivo che miscela dolcemente l'antico con l'umorismo. Nel suo lavoro "Fontana di Pinocchio", l'immagine sacra della fontana di Roma viene sostituita da una marionetta di legno, Pinocchio, un simbolo culturale italiano. Il naso di Pinocchio sta allungando, suggerendo il perpetuarsi di una menzogna. L'impressione fissa dell'icona divina si ribalta sotto l'ironia e la satira dei giocattoli contemporanei. Dal punto di vista della struttura cromatica, il contrasto di luce e ombra nell'immagine è mitigato dall'antico cornice del dipinto, in cui sembrano convivere fattori difficilmente conciliabili. Ciò rivela l'esplorazione dell'artista nel contesto del conflitto e dell'ordine nel campo della fusione. Lo stesso approccio viene evidenziato anche nella sua opera "Altare di Pinocchio 2".
Nel contesto della globalizzazione, l'apprezzamento dei vantaggi derivanti dalla fusione multiculturale inevitabilmente porta anche al caos. Il caos genera l'individualismo, e in effetti la creazione artistica affronta le stesse sfide. Come conciliare la fusione e il mantenimento dell'io in diverse culture e mezzi di espressione diventa un problema inevitabile per gli artisti. In questa mostra abbiamo presentato opere di artisti italiani e giovani artisti cinesi che hanno vissuto e studiato in Italia. Mostriamo la situazione attuale degli artisti contemporanei di queste due regioni che rappresentavano le radici culturali dell'antico mondo orientale e occidentale, e come cercano di sperimentare nuovi tentativi di fusione culturale nelle loro opere. Tuttavia, durante questo processo, non hanno dimenticato il rispetto e la riflessione sull'origine della vita. In un contesto in cui lo spazio vitale dell'arte è oppresso sia dalla logica omologante che dalle regole del mercato, solo cercando di adattarsi all'innovazione del nostro tempo attraverso una coscienza culturale autocosciente, l'arte può mantenere la sua vitalità immortale.


2023.6.10—2023.07.15

Uart SPACE
Shanghai